《艺术界》12月号更像一份宅味十足的小报而不是学术期刊，我们试图打探并重新书写我们动荡现实背后的历史。我们把视线投向了上世纪90年代，一个离现在并不算太远、在大众怀旧情绪的回路中依然活跃的年代。我们关注的是始于20年前的一些根本要素：在中美当代艺术早期历史中所体现的，被主流话语所厌弃的趋势；随着艺术圈内部抵抗性的出现，艺术、音乐以及其他文化形式都以地下的方式发展；以及欧洲有关身份政治的话语对中国艺术的吸收。此次封面专题并没有试图通过信息的填充去使历史中的某个10年变得饱满，也没有像研究者一样去深究一个时期的历史条件对艺术创作、展览实践的影响，而是选择了以那些在自己的视线范围内，关注90年代的作品、展览以及文化现象的策展人、评论家和学者为基础，通过他们个人的深入研究来连接成篇。他们视角中的90年代与当下形成共振：比如我们今天仍在面对的关于反抗的话题、在全球化语境下如何深入实践的问题、以及更新对民族国家、市场这些概念的认识等等。此外，我们首次发表理论家、艺术史学家哈尔·福斯特1996年的文章《淫亵、低贱、创伤》的中文译文节选。结合“后感性”和“酚苯乙烯”等90年代末展览的情境阅读此文，就会发现它在中国新自由主义生命政治来临之际，为全球化的艺术史提供了思路。

More a nerdy rag than a scholarly journal, this issue of LEAP seeks to trace back and rewrite histories as they appear from our volatile present; with LEAP36’s feature package “199X” we take on the 1990s, the decade that, due to the feedback loops of popular nostalgia, simply never went away. Our interest is with a matrix of a few fundamental things that began twenty years ago: early moments in a shared history of contemporary art across China and the United States, reflected in a taste for abjection; the emergence of an underground spanning art, music, and other forms of culture alongside internal resistance within the art world; and the absorption of Chinese art into European discourses of identity politics. “199X”  brings together curators, critics, and thinkers concerned with the art, exhibitions, and cultural phenomena of the 1990s, weaving them together into a chapter in time constituted by personal histories and investigations, in which readers will find discourses of resistance, globalization, nation and state, and the market still resonant today. We also reproduce for the first time in Chinese excerpts from theorist and historian Hal Foster’s seminal 1996 essay “Obscene, Abject, Traumatic.” Read alongside exhibitions like “Post-Sense Sensibility” and “Poly Phenolrene,” both from the late 1990s, this material argues a case for a global art history at the dawn of Chinese neoliberal biopolitics.

本期上版为读者带来纽约年轻艺术家斯图尔特·乌的新作，探讨那些同时显现魅惑与颓败、妖娆与怪诞的半机械肉身背后的“后末世”与“后人类”话语。我们分析了杜海滨导演最新的纪录片《少年小赵》，电影围绕着高考、支教、拆迁等具有标志性和普遍性的生活事件，试图进行一次关于成长与时代的论述。会议室栏目记述了今年10月在伦敦蛇形画廊举行的“转化马拉松”，这个长达24小时的论坛以非欧陆哲学的、非均质化的形式集合各领域知识，它所呈现的片断式综合体令人想起作家爱德华·格里桑提出的“群岛思维”。

Our top section features young New York-based artist Stewart Uoo, whose subjects are often referred to as post-apocalyptic and post-human: temptation and decay and guile and absurdity in a bionic body. We review A Young Patriot, director Du Haibin’s latest documentary, where philosophies of growth and the times we live in are expounded through symbolic yet prosaic events. In “Transformation Marathon,” we trace Etel Adnan, François Jullien, and Judy Chicago’s thoughts on transformation at this year’s Serpentine Marathon.

中版艺术家专题介绍了黎清妍、卡米尔·亨罗特和徐坦三位艺术家的创作。黎清妍本质上是一位街头画家：她那些一个人、一对人、一群人的组合，抓住的不是人本身而是人的感受，她毫无保留地拥抱她捕捉到的人性。法国艺术家卡米尔·亨罗特包罗万象的艺术实践有一种天真的热情，其结果总是迷人的，又常是令人困惑的，仿佛呈现眼前的海量信息本身就具有不可识别性。徐坦则试图从理解是如何建立起来的层面，观察人们在日常生活里所持有的那些观念及其构成——在认识世界过程中所体现出的民主，即：每个人在慎重思考过后，是都可以对事物发表看法的。

This issue’s upper middle section presents three featured artist profiles: Firenze Lai, Camille Henrot, and Xu Tan. Firenze Lai is, at her core, a painter of the street: her compositions of individuals, pairs, and groups capture not actual people but feelings of how people work, and she identifies herself generously with the mass of humanity that she captures. Camille Henrot’s work is known for its inclusiveness and diversity, both in its forms and references, sometimes leaving viewers at a loss, as if the mass of information presented had promised some understanding it could not fulfill—but this undecipherable approach seems to be exactly the point. Whereas Xu Tan asks questions regarding structures that are reformulated at each moment in his experiment. This quest for an alternative model of understanding becomes an end of the aesthetic process in itself.

下版的长篇评论中，作者鲍栋带来“屌丝理论”，观察社会阶层在当代艺术中的显现。今天我们讨论艺术家的阶层性的时候，不可忽视的是中国社会已经发生了剧烈的重新分层，阶层的区隔也越来越清晰、坚固。强调这一个事实，并不是要回到简单的阶级决定论，而是提示在整个艺术实践链条都事关资源如何在社会中被分配的时候，社会需被视为内在于艺术实践本身的一部分。此外，下版还带来28篇展评，囊括了近期在国内以及纽约、柏林、首尔、维也纳等地区的诸多展览。

In our bottom section, curator and critic Bao Dong introduces his diaosi theory, observing the manifestations of social classes in contemporary art in China. Emphasizing the widening gaps between social classes in Chinese society today does not imply a return to simple class determinism, but rather to remind us that contemporary artists are gradually being incorporated into the social body, and the entire chain of art practice is related to how social resources are allocated. In “Hangings,” readers will find 28 short reviews on exhibitions around the world, including “David Diao” at UCCA in Beijing, “Geng Jianyi: East to the Bridge” at OCAT Shenzhen, “The World Goes Pop” at Tate Modern, “Greater New York” at MoMA PS1, and many more.