书  名：现代日式绘画的创立

副书名：狩野芳崖以及对日本形象的探寻

作  者：[美]切尔西·福克斯韦尔 著 黄继谦 译

ISBN：978-7-108-06872-9

定  价：98元

页  数：331

本书捕捉、分析19世纪60~80年代，日本政府的艺术政策、美国与欧洲对日本艺术的评论，以及出口市场的要求之间相互关联的倾向，聚焦于确立日本形象这一要求下，单个艺术品与艺术家们在这些紧张的互动时刻中的表现。

福克斯韦尔的书是高水平的学术著作，全书的主题以及从中延伸出的话题特别重要，其分析过程具有核心价值和原创性。并且，作者将主题放在特定背景中加以讨论，提供了一种将主题概念化的原创路径。这样做，不仅构成了一种对日本艺术史有意义的研究，同时也成为一种从更广阔的角度介入艺术史的有价值的实践。

——哈佛大学 由纪夫·利普特

福克斯韦尔巧妙地将日本江户晚期和明治时期的艺术联结起来，为新的艺术史研究做出了重要贡献。她质疑任何轻率地附加在艺术世界之上的政治变革以及日本文化传统观念的真实性，巧妙地证明了19世纪高度多样化的日本艺术世界已经发生了巨大的变化，这种变化不能简单地归因于各级政府所实施的举措。她细致的研究结合了对更重大的认识论问题的广泛思考，这一点令人印象深刻。所有对现代日本这一时期感兴趣的学者和学生，都该读读她的书。

——杜克大学 詹妮弗·韦森菲尔德

西方人在19世纪的世界博览会和出口商品商店发现日本绘画后，一下将日本艺术推到了在国际上广为人知的新高度。这种大行其道的状况随即招来了各种批评，西方的评论者开始哀叹日本艺术品中纯粹的日本艺术正走向消亡，同时其与西方文化混杂的态势却在不断上升。日本人以推出了“日本画”(nihonga)来回应这种批评，这是一种按照国际当代艺术市场的要求，对日本传统绘画进行了重构的绘画门类。《现代日式绘画的创立》一书探索了“日本画”的视觉特征和社会功能，追溯了它与过去的艺术、当时的观众之间的关系，同时分析了与现代日本国家相关的各种观念出现时的情况。通过对导致“日本画”出现的观众期待的根本性变化加以辨析，针对日本发展成现代国家过程中的一个重要方面，为读者提供了一种新的看法。

切尔西?福克斯韦尔，芝加哥大学艺术史系副教授。美国哥伦比亚大学艺术史博士，哈佛大学博士后研究员，美国傅尔布莱特奖学金学人，日本东京大学、东京艺术大学访问学者。

导论：“日本画”及其对现代日本的历史性铭记

第一章 展览与现代日本绘画的创立

第二章 对日本形象的探寻

第三章 画家及其观众

第四章 颓废与“日本画”风格的产生

第五章 图像双重阅读的自然化

第六章 传承与“日本画”的历史特性

结论

致谢

参考书目

导论：“日本画”及其对现代日本的历史性铭记（节选）

在19世纪80年代，日本绘画在地球的东西两端，出现了两种相互关联的发展趋势。在法国、英国和美国，爱好日本绘画的人士声称：西方以侵略的方式打开了日本的商业与外交大门，随后日本于1868年又出现了革命（即明治维新），这些导致真正的日本文化日益走向灭亡。许多西方作家把日本当作他们自身现代化体验的一个升级版寓言，他们在“旧日本”和现代化的西式日本之间建构了一个二元对立的结构。按照同样的思路，人们认为“旧日本”正逐渐成为开放过程中的牺牲品，当时的日本艺术也被想象为在与西方接触中自身的影响力日渐衰微，将要或正在走向消亡。那些被西方收藏家们所设想的所有日本艺术与物质文化遗存，由此将与过去的历史及其保存方式密切相关。

与此同时，日本的艺术家、艺术经营者、管理者们正试图弄清西方购买者对于日本艺术品的要求。一位 1883 年到访过法国的日本人向他的国人报告说，国外的日本艺术买家“更喜欢那些具有日本风格的花卉图案等诸如此类的东西，这与日本人此前的设想完全相反，西方人不喜欢那些新的西式风格的图案”。西方观众不希望日本艺术家按西式风格作画，这对当时的日本艺术界来说是一个新消息。明治时代，人们不断地在当时最重要的杂志、报纸和新成立的、旨在研究与推进艺术的社团中讨论这类观点。当更多讨论者将他们的讨论话题转

移到全球背景下的日本艺术及其地位时，“日本画”（nihonga）这一新词日益成为核心术语。“日本画”指向两个相互重叠的话语范畴：首先，作为一个单一领域的，一种所有日本绘画所表现出的前所未有的诉求，其在以认知全球为前提的元话语（metadiscourse）中描绘日本绘画的未来，以及“日本画”应该是什么样子的集体想象。

其次，“日本画”作为一个仅仅意指“在样式上不同于我国”的绘画的术语，反映了西方人保存现有日本绘画的最初夙愿，他们希望其摆脱与油画以及其他“西式绘画”（seiyga）混杂在一起的局面。1868 年德川幕府垮台后，这种诉求变得更广为人知且为大众所接受。7在发展主义，甚至达尔文主义盛行的时候，作为预见本土绘画将臣服于西方艺术表现方式的范例，“日本画”这一术语反映了某些具有临时性和真实性的观点。其中一点就是，保存真正的日本艺术的希望在于最大限度地将日本绘画与全球绘画实践相分离。对现存日本绘画的这种词语重构还具有另一种效果，即在明治时代与过去的绘画之间插入了一种象征性的分离。其导致了一种结果，那就是当时西方人对日本绘画的评价，将一种真正的前现代传统艺术（日本绘画）和一种衰败的、偏现代的传统艺术（日式绘画或有日本意识的绘画）体系分离开来。随着“日本画”这一术语的诞生，来自西方的对于真正日本艺术死亡的担心，在日本国内遭遇了某种复杂的境遇。

本书探讨了这一过程的最初阶段，即19世纪60—80年代，这一发生了剧烈社会变化和经济动荡的时期。可以看到，在人们心目中，关于什么是一幅画，为何而画或为谁而画等概念受到了某种根本性的挑战，而且这不仅仅是（甚至不是）绘画本身在不断发生变化的问题。即使绘画保持不变，艺术家、观众、观看环境以及与绘画相关的词语都发生了显著的变化。

本书标题中“探寻形象”的表述与日本和外国人对能在国际上代表日本的新艺术的要求相关。这种要求通过明治政府支持艺术和工艺品出口，在世界博览会上推出令人印象深刻的展览等种种努力得到体现，它也导致了本书中讨论的各种物品的出现。但寻找的过程不同于发现，寻找中，头脑中的艺术形象与现实绘画的运作方式不同，在这一过程中必须对上述种种要求进行评估、想象与思考。“日本画”作为一种现代的“传统风格”出现，同样是经过调整并充满实验性的，这一过程涉及确认西方评论、重构现有风格和图像体系、向不同观众展示作品等行为。本书以捕捉与分析其中的各种力量为目的，聚焦于确立日本形象这一要求下，单个艺术品与艺术家们在这些紧张的互动时刻中的表现。本书主要集中关注东京（在 1968 年之前被称为江户），在那里，当时的中央政府出台了许多艺术方面的政策。本书将展开对个人作品与主题的系列研究，而不仅仅局限于呈现单一的画家年谱。