基本信息

书名：日本美术史

著者：徐小虎

书号：9787559817020

出版社：广西师范大学出版社

出版时间：2019.5

定价：148.00

装帧：精装

开本：16 

尺寸：185mm * 245mm

印张：21.25

字数：155千

图片：256幅

页数：340

作品看点

★ 从远古时代到20世纪，一次轻松愉快的日本艺术旅程

★ 250余幅珍贵的精美彩图，近距离感受日本艺术脆弱敏感的诗意气息

★ 面对中国和西方海啸般的文化影响，日本如何保持自己的艺术特色？

★ 艺术史界的“捣蛋鬼”徐小虎，用爱与感受探寻日本艺术的本质，歌颂瞬间乍现的美感

名人推荐

徐先生做一件事情，非常重要。虽然徐先生方法论的东西是比较早的发生，但一直到现在，对我们都还有决定性的意义。因为它是个新的方法，她确立了这个方法。如果有兴趣的话，可以按照这个方法继续走。因此，我说徐先生是立代的。她是立了一代。之前的方法，我个人看来，显然没有徐先生的完备。

——阿城谈徐小虎

徐小虎针对古画真伪的个案进行研究，具体到某个疑点，这是极其枯燥漫长、虽然充满惊喜但很不讨好的工作，堪称‘兴奋完了就遭罪’，但是她坚持了五十年。

 ——陈丹青谈徐小虎

内容简介

本书以时间为脉络，介绍日本艺术从远古时代到20世纪末的发展历程，为初学者传递日本之“美”。尤具特色的是，作者参照广阔的中、西文化背景，重点关注日本各个时代最具创新意义的艺术，以此展现日本艺术精神的宽度和弹性。全书文字轻松晓畅，并配有250幅珍贵的插图。

作者介绍

徐小虎（Joan Stanley-Baker），1934年生于南京，自幼成长于多语言及跨文化的环境。先后在美国班宁顿学院、普林斯顿大学研究中国艺术史，获英国牛津大学博士学位。2004年从台南艺术大学退休，至今仍持续深入地研究、发掘、演讲或授书画专题讨论课程。

徐小虎曾任职于美国、加拿大和中国台湾的博物馆、美术馆与艺术中心。在日本时（1967—1971），她每周为《日本时报》(The Japan Times) 以笔名Jennifer S Byrd发表艺术评论专栏，也用其他的笔名在《读卖新闻》写书评、在《每日新闻》写食评专栏。担任英属哥伦比亚维多利亚美术馆的亚洲部主任期间（1975—1980），她负责督导该馆以收藏日本文物为主的亚洲部门的典藏和演展空间之设计，并进行该馆的日本和中国藏品研究，出版了数种完整的图录。

主要著作包括《日本美术史》、《南画的形成：中国文人画东传日本研究》、《画语录：听王季迁谈中国书画的笔墨》《被遗忘的真迹：吴镇书画重鉴》。

目录

 自序

导 论

第一章　史前时代（公元前11 世纪—公元6世纪）

第二章　飞鸟和奈良时代（592—794）

第三章　平安时代（794—1185）

第四章　镰仓和室町时代（1185—1573）

第五章　安土桃山和江户时代（1573—1867）

第六章　近现代日本（1868—1964）

第七章　当代日本（1965年至今）

附录一　日本的美学特征：色彩与情绪

附录二　日本书法的情绪化表达

精彩章节

法隆寺壁画

重建的法隆寺金堂壁画是白凤晚期最壮丽的绘画成就！壁画高度超过3米，中央四幅宽2..5米，角落的八幅宽1.8米，这样的壁画相当稀少，当时一所寺院能有如此的装饰，堪称创举（普通佛寺多以绘画或织锦的立轴装饰墙面）!重建的金堂完成于680—690年间，壁画则完成于711年左右。在中国和朝鲜的移民后裔工匠之间，有一个匠人团体负责承制宫廷和寺庙装潢工作。701年政府颁布大宝律令，成立画工司，隶属内政部三位官员管理，曾有四位大师级画家及六十位普通画家居住在都城地区，还有一些私人画家团体聚集于外省区，一旦有大型计划时，后者要随时应召到首都。这类官方的画家组织后来也许形式和性质有所不同，然而在1868年明治维新之前都一直存在。

金堂壁画的制作程序是，先在壁面上一层细白土，然后工匠用细红线或黑线将印好的底稿点描好，再上色，红色部分上朱砂、赭红和铅红，黄色部分上赭土、一氧化铅，绿色部分上孔雀石，蓝色部分上石青。画中人物丰满、浑圆的造型和中国盛唐风格颇为类似，这一点可由642—698年间制作的敦煌壁画得到证明。敦煌的人物通常身躯稍稍扭转，使腹部以上和以下的身体分置在两个不同的平面，站姿采两脚歇站法，重心放在其中一脚，另一脚则微微提起，暗示其动态。金堂壁画中最负盛名的应属西壁阿弥陀乐园中的观音像（图2-20），线条顺畅、稳健，流露十足的自信心。而且，深邃的眼眸依稀可见印度及和阗的文化影响，甚至可远溯至古希腊的造型。整个表现和橘夫人佛龛门板上的线描菩萨非常相似，除了根据不同的底稿外，两者显然有传承关系。我们可以想象，当金堂的装饰工作完成之时，乐园的景象必定是充满菩萨，天际布满虔诚的飞天，场面辉煌壮丽，感人目眩。所以当原先置于金堂的释迦三尊像移入新建的金堂大厅时，一定显得奇怪不搭调，只是今天看来都是古物了！

平安时代的艺术特点

回顾平安时代，《源氏物语》画卷中描绘的是带有含蓄美感的贵族生活，18世纪则是平民文化的时代了。但是，这种平民文化中仍然有对传统贵族文化的继承。在一幅出自19世纪的源氏物语画卷中，为了让小姐与她的情侣见面，屏风后一大群侍女在为她整理衣容。与12世纪的平安时代相比，此时画面的颜色非常华丽，人物的表情、动态描绘得就不再那么含蓄了，而是充满了世俗的声响与坦然。可见相同题材的画卷在不同时代背景下演绎出了不同的风格。

真正的艺术，无论是反映什么阶级的艺术，都来自艺术家的内心。这根源于艺术家本人的文化修养与精神思想。所以，无论艺术家服务于哪个社会阶层，作品中都反映他所处时代的审美观。而技巧则代代相传。通过浮世绘艺术，可以看出日本民族强烈的艺术天赋和审美观，以及代代相传、息息相关的技艺，如同DNA般具有连贯性。在不同风格代代的变化中，不断地发扬着相关的爱惜与敏感。

藤原时期的民间美术

虽然此期的宫廷朝臣依然欣赏中国诗、画，但是，属于大和传统的本土作品，在中国样式的外衣下，逐渐展现其真正的日本特质。尤其当894年大唐国势江河日下，盗贼叛乱四起，往中国的航海旅行危险性相对升高之际，日本宫廷遂决定停止派遣遣唐使，此时开始之门户孤立情况，正给大和美术提供了一个开花结果的绝妙时机。

平安后期（又称藤原时期，897—1185）和当时的中国北宋（960—1126）约略同时，两者皆是接续辉煌灿烂的唐朝和奈良文化之后，而且同属于内省和自我发现的时代。在前期的国际化期间，中国和日本皆接触、吸收许多外来文化，日本在精神或物质各方面尤其同化了许多来自中亚、印度和波斯附近的文化。长期沉浸外来文化的影响后，到了10、11世纪，宋朝和平安文化进入内省观照阶段，加上政治的不稳定，更使它们在美学方面寻求自我肯定，缔造辉煌的艺术成就。宋朝的成就在山水画，平安时期则是大和绘画，同时日文的假名书法成就也达到巅峰，至此，两国文化深层的差异性越发凸显。此期的日本美学倾向不仅获得后代的发扬，也成为日本美术的特色（奇怪的是，日本绘画作品中柔和的色调、鸟瞰的视点和对角线构图的使用却可回溯至宋代绘画）。

浮世绘

自从16世纪初以来，新兴的中产阶级开始盛行一种艺术形式—风俗画，这类作品经常以当时流行的娱乐和休闲活动为题材，例如《花下游乐图》（图5-50）描写一群优雅美丽的女人在花下玩赏嬉戏，服饰被仔细地勾绘，后来这种题材逐渐扩展到欢场的妓女或澡堂的女服务生，还有一类以市区街景和活动为题材的画尤其风行，举凡街道上的舞蹈、节庆游行和室内、室外活动都包括在其中，这类画可以《四条河原图》（图5-51）为例，此画可以说是中产阶级的颂赞自画像。到了17世纪末，这类画越来越受欢迎，于是开始大量生产，在江户、京都和大阪的欢场女子圈中，城市生活开始展现其雅致、充满活力的一面，就像过世的乔治•桑塞姆爵说过：“这是一个及时行乐的时刻，剧院、食堂、摔跤场所和幽会地点到处可见，其间杂集着演员、歌手、说故事者、弄臣、艺伎、汤女、巡回供应食品商，以及富商放荡子、荒淫的武士和顽皮的学徒”，日本人自己也有以下的告白： 

生活就是为了及时享乐，应将注意力集中在欣赏月亮、太阳、樱花和枫叶之美，尽情欢唱、尽兴饮酒，将自己投入沉浮的尘世，即使面临贫困也不用在乎，不用沮丧，只要学瓢瓜随波漂浮，这也就是我们所谓的“浮世”。（摘自浅井了意的《浮世物语》）

后来“浮世”遂成为风俗画和闻名国际的日本浮世绘版画之主要题材。