克里斯·费特·瓦西拉科（Chris Fite-Wassilak）考量了曾作为艺术展览模板的“项目空间”在伦敦逐渐消失的现象。相应地，分散、公共的快闪项目正在崛起。“伦敦的‘地下’越来越分散和小圈子化，”他写道，脱离了“后工业时代难以为继的展览模式，即以群展占据摇摇欲坠的巨型仓库或老旧店面的物理空间。”如果说变化在日益受到私人发展影响的快节奏环境中无可避免，那么认识到城市艺术景观的利害因素就十分重要。事实上，费特·瓦西拉科主张，“项目空间的应有之义在于挑战被展示的作品，开拓商业画廊倾向于依赖的同质性和重复性，也去打破‘艺术世界’只有一种进路的假设。”

作为艺术实践的合作在托克瓦斯·戴森（Torkwase Dyson）的作品中占有很大比重——马克·莱珀特（Mark Rappolt）为此写作了本期杂志的专题文章。为了10月在伦敦的展览，这位常驻纽约的艺术家创作了一系列新的大型几何雕塑，以之作为与舞者、诗人、艺术家、策展人、表演者、音乐家和学者 [包括芝加哥的DJ和制作人罗恩·特伦特（Ron Trent），以及音乐家盖卡（Gaika）和阿西·曼努（Ase Manual）——他们将负责展览所需的限量版配音板] 合作的场所。这个名为“液化空间”（Liquid a Place）的展览构成了戴森当下工作的一部分，即在黑人散居地之间建立联系，并想象一个流动的共同空间用于分享和抵抗。“经历了疫情的强制隔离阶段之后，我们既渴望与作为离散物的艺术作品进行实际接触，又借此重新图绘了我们对艺术作为‘有用之物’的期望，”马克·莱珀特写道，“戴森的作品似乎完美地适配了这个时刻。”

在本期刊物中，费·丘奇曼（Fi Churchman）深入研究了蒂娜·罗森（Deana Lawson）的摄影作品，这些作品建立在包括美国、加纳、埃塞俄比亚、刚果、牙买加以及海地黑人社区的集体经验之上。“罗森从工作室摄影、纪录片、家庭照片和舞台摄影等流派中汲取营养。她的大幅彩色作品通常展现布鲁克林当地社区的成员以及陌生人，这些场景反映了家庭、爱、自我身份、美、自豪感和黑人美学。”作者如此总结。

马库西族（Makuxi）艺术家杰德尔·埃斯贝尔（Jaider Esbell）精细的彩色绘画的灵感来自神灵和先祖“Makunaim?”，以及与代表不同民族的萨满的合作与谈话——他们参与了对巴西罗赖马地区（Roraima）马库西族土地环境和社会性滥用的抗议。在与奥利弗·巴夏诺（Oliver Basciano）交谈时，埃斯贝尔将他的工作描述为一种教育性的行动主义，或旨在为他自己的原住民群体和其他人发声的“艺术行动主义”。

对人类与自然关系的思虑——包括如何以更偏向共生而不是剥削的方式来理解我们周围的自然世界，在安妮卡·易（Anicka Yi）的作品中也有所涉及。她即将交付并展示今年的泰特现代艺术委员会的委任作品。“我们在地球上的存在是相当脆弱的”，正如她在与艺术家张哲熙的讨论中断言的那样——“我试图对纯粹的现实、而不是我们通过文化加以考量的相对现实（relative reality）保持更开放的态度，”她解释说，“这就是科学对我的价值：它可以告诉我一些超越我自身的‘相对现实’的东西。”

本期刊物同样呈现了：艺术家、电影制作人和作家斯图尔特·赫姆（Stewart Home）对伦敦应关注城市中诸多带有种族主义和殖民主义色彩的纪念碑的呼吁；本·伊斯特姆（Ben Eastham）